好青年的音樂清單

現場紀實｜Live Report

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來自日本東京的 She Her Her Hers，由 Hiroyasu Takahashi（主唱／吉他）、Tomasong（合成器）與 Taiki Matsuura（鼓）組成。音樂風格融合瞪鞋、夢幻流行與迷幻電子，打造出既空靈、沉浸，又富有情感共鳴與電影感的聲響世界。

於 2026 年 9 月展開大型英國暨歐洲巡演，這也是樂團至今規模最盛大的一次海外巡演，橫跨 5 個國家、13 座城市。今年 9 月 23 日，他們帶著五人編制來到倫敦，登上 The Garage 舞台，與滿場的觀眾相遇。

演出在〈Pulse〉為背景音樂的烘托下揭開序幕，Hiroyasu Takahashi、Tomasong、Taiki Matsuura，連同小提琴手 Moemi Harada 與吉他手 Shogo Ishizaki 陸續登台。〈Law of Attraction〉前奏一下，懷舊氣息逐漸瀰漫，〈Bloody Mary Girl〉帶領大家放開身心，舞台與觀眾之間的距離也在音樂裡慢慢拉近。台下既有安靜聆聽的樂迷，也有人隨著節奏熱烈擺動；除了亞洲樂迷，也能看見來自不同文化背景的觀眾，呈現出樂團日益國際化的現場樣貌。

〈Diagram X〉轉向冷峻與銳利的質地，〈Imaginary line〉則像霧氣慢慢散去，光線從其中穿透而出。〈non zero sum game〉充滿舞動感，五光十色的燈光在舞台上流動，像城市夜晚不斷閃爍的霓虹，也讓聲音之外的視覺成為演出不可分割的一部分。

She Her Her Hers 回來了。

Tomasong 感謝去年與今年都來到倫敦觀看演出的樂迷，也笑著邀請大家今晚一起喝酒、跳舞，度過一個愉快的夜晚。〈Blue Moon Night〉隨後響起，仿佛身處深夜酒吧；〈drip〉逐漸加入緊張感，透過〈SPIRAL〉把情緒往內收，內心卻很澎湃。最後來到〈s〉，沉靜的氛圍，與自我面對面。這段由外而內的轉換，也讓原本全滿的場地出現另一種安靜。

團員談起這趟歐洲巡演漫長的移動。一路上輪流開車，也自嘲每個人的車技都在旅途中進步了不少，笑稱成了卡車司機樂團。經過長途跋涉後，終於再次抵達倫敦，他們提起去年在 Oslo Hackney 的演出，也為今年來到 The Garage 感到開心。

接下來的〈Tomorrow’s Sun〉像是朝著未來緩緩走去，節奏放慢，情緒也從剛才的內省逐漸向外擴展。〈Pre-logue〉重新帶起了舞動的節奏，〈Day Tripper〉最終走向迷幻。〈Episode 33〉響起，幻想與壯闊的聲響逐漸填滿整個空間，五人編制在這裡展現出更加完整的層次。吉他、合成器與鼓組建立出厚實的音牆，小提琴穿梭其中，沒有刻意突出自己，反而讓整體音樂多了一層細緻的色彩。燈光也隨著聲音在不同情緒之間轉換，從冷冽、幽暗，到逐漸開闊，讓整場演出像是一部完整的電影。

與台下觀眾寒暄，團員逐一介紹彼此。特別的是，這趟巡演期間也恰好遇上主唱高橋啓泰的生日。在長途巡演、城市與城市之間不斷移動的日子裡，倫敦成為他今年生日旅程中的其中一站。

專場進入最後一段，〈CHELSEA〉像是幕布重新揭開，現場的情緒也被一層一層解開。〈Brutalist〉冰冷的感覺像電流穿過身體，〈Thirsty〉對渴望的追求已經無法克制。〈Bystanders〉則將整晚的聲音、燈光與情緒集中到同一個時刻。隨著歌曲節奏起舞，帶有一種幽藍的底蘊，彷彿身處怪奇物語的時空，經歷刻骨銘心的感受。

演出沒有安可，但結束後觀眾並沒有立即離開，周邊商品區排起長長人龍，團員們也親切地走出來與樂迷簽名、打招呼。舞台上看似遙遠的距離，在演出結束後重新被拉近。

從東京出發，穿過亞洲，再一路來到歐洲，She Her Her Hers 的音樂或許從來不需要太多語言上的解釋。瞪鞋的迷濛、夢幻流行的漂浮、電子聲響的冷冽，以及現場燈光不斷變化的色彩，共同構成一個屬於他們的聲響空間。

She Her Her Hers 就在聲音與霓虹之間，在倫敦這座城市再次留下屬於他們的一晚。

Setlist 演出歌單

01. Law of Attraction
02. Bloody Mary Girl
03. Diagram X
04. Imaginary line
05. non zerosum game
06. Blue Moon Night
07. drip
08. SPIRAL
09. s
10. Tomorrow’s Sun
11. Pre-logue
12. Day Tripper
13. Episode 33
14. CHELSEA
15. Brutalist
16. Thirsty
17. Bystanders

She Her Her Hers in London: Between Sound and Neon, Into a Dreamlike Night

23 September 2026 · The Garage, London

Tokyo-based alternative band She Her Her Hers, consisting of Hiroyasu Takahashi (vocals/guitar), Tomasong (synthesiser), and Taiki Matsuura (drums), have developed a distinctive sound that draws from shoegaze, dream pop, and psychedelic electronics, creating an immersive world of hazy textures, emotional resonance, and cinematic atmosphere.

In September 2026, the band embarked on their largest overseas tour to date, spanning five countries and thirteen cities across the UK and Europe. On September 23, they returned to London with a five-piece lineup, taking the stage at The Garage to a packed room.

The show began with “Pulse” setting the atmosphere as Takahashi, Tomasong, and Matsuura gradually appeared onstage alongside violinist Moemi Harada and guitarist Shogo Ishizaki. The opening notes of “Law of Attraction” immediately brought a sense of nostalgia, before “Bloody Mary Girl” loosened the room further, pulling the audience deeper into the band's hazy orbit. Some listeners stood quietly, absorbed in the performance, while others moved freely with the rhythm. The crowd included Asian fans alongside audiences from a range of other backgrounds, reflecting the band's increasingly international reach.

“Diagram X” shifted into a colder, sharper feel, while “Imaginary line” felt like mist slowly clearing, with light breaking through. “non zero sum game” brought a more pronounced danceable energy, as a kaleidoscope of colours moved across the stage. The shifting lights evoked the neon glow of a city at night, making the visual dimension of the performance inseparable from the music itself.

She Her Her Hers were back.

Tomasong thanked everyone who had come to see them in London both this year and last, warmly inviting the crowd to drink, dance, and enjoy the night together. “Blue Moon Night” followed, evoking the atmosphere of a late-night bar. “drip” gradually introduced a sense of tension, while “SPIRAL” pulled the energy further inward, its restraint carrying a restless intensity underneath. By the time “s” arrived, the room had grown noticeably quieter, an intimate moment of turning inward and facing oneself. The shift from danceable energy to introspection created a different kind of stillness within an otherwise packed venue.

The band then spoke about the long stretches of travel that had come with the European tour. They had been taking turns behind the wheel, joking that everyone's driving skills had improved along the way and laughing that they had become something of a “truck-driver band.” After the long journeys between cities, they were finally back in London, recalling last year's show at Oslo Hackney and expressing their happiness at returning to the city, this time to The Garage.

“Tomorrow’s Sun” followed like a slow walk towards the future. Its measured pace allowed the introspective mood to gradually expand outward. “Pre-logue” brought the dancing energy back into the room, while “Day Tripper” pushed the set further into psychedelic territory. When “Episode 33” arrived, its expansive, dreamlike sound gradually filled the venue.

The five-piece arrangement revealed another dimension of the band's sound. Guitar, synthesiser, and drums layered into a dense, immersive sound field, while the violin moved through the arrangement without demanding attention, adding another subtle layer of colour and texture. The lighting shifted with the music, moving from cold, shadowy tones towards something increasingly expansive, giving the set a distinctly cinematic sense of progression.

After some interaction with the crowd, the band introduced each member. The European tour also happened to coincide with Takahashi's birthday, adding another memorable moment to a journey already defined by long hours on the road and constant movement between cities.

“CHELSEA” opened up the final stretch of the set, gradually releasing the tension that had accumulated throughout the night. “Brutalist” brought a cold, electric intensity, while “Thirsty” continued to build a sense of desire and longing to the limit.

Then came “Bystanders,” bringing the night's sound, lighting, and emotional tension into a single final surge. Its rhythm kept the crowd moving even as a deep blue melancholy settled underneath, creating an uncanny, almost otherworldly atmosphere. As the song reached its closing moments, the music and lighting pushed together towards the emotional peak of the night.

There was no encore. Yet the audience did not leave immediately. A long queue formed at the merchandise table, while the band themselves came out to sign merchandise and greet fans. The distance between the stage and the crowd seemed to disappear.

From Tokyo, across Asia, and now into Europe, She Her Her Hers make music that speaks across language barriers. The haze of shoegaze, the weightlessness of dream pop, the coolness of electronic textures, and the ever-changing colours of the stage lights came together to create a sonic space entirely their own.

Between sound and neon, She Her Her Hers left their mark on another night in London.

Setlist
01. Law of Attraction
02. Bloody Mary Girl
03. Diagram X
04. Imaginary line
05. non zero sum game
06. Blue Moon Night
07. drip
08. SPIRAL
09. s
10. Tomorrow’s Sun
11. Pre-logue
12. Day Tripper
13. Episode 33
14. CHELSEA
15. Brutalist
16. Thirsty
17. Bystanders

Photo: Ryohey Nakayama

來自台灣的四人器樂樂團 Robot Swing，由昭元（鍵盤、合成器）、聿民（鼓）、恩立（貝斯）與惟農（吉他、聲碼器）組成。Funk、R&B、Soul、Jazz 等各種元素在他們手上交錯，沒有固定的框架，也沒有太多預設好的答案。

從首張《SYSTEM BOOTING...》到第二張《Override!》，Robot Swing 一路在創作、演出與即興之間摸索自己的聲音。曾獲金音獎最佳樂團、最佳現場演出等肯定，也陸續登上 AXEAN Festival、Proweek Festival、Clockenflap 等海外舞台。

這次，他們終於要把這台機器開進倫敦。

9/28，Robot Swing 將於倫敦演出，並邀請英國 Contemporary Jazz 六重奏 Happy Garden 與 Cosmos Zero 一同演出。鍵盤手昭元也提前抵達倫敦，從當地 Jam Session 開始，串起這次跨國音樂連線。

這次專訪，我們聊了倫敦音樂場景、Robot Swing 的現場哲學、《Override!》如何從 Jam 裡長出來，以及四個人接下來還想 Override 什麼。

人類們，準備好了嗎？

📍 The Grace, London @thegraceldn
📅 28 September 2026
🎸 Robot Swing × Happy Garden × Cosmos Zero

Q1：即將於 9/28 來到倫敦演出，也邀請了英國的 Contemporary Jazz 六重奏 Happy Garden 與 Cosmos Zero 助陣。鍵盤手昭元作為「先遣隊」抵達英國，也參與了這次合作的連線。當和倫敦當地音樂人交流後，有沒有發現什麼和台灣音樂場景不同、或特別讓你們感到興奮的地方？而和 Happy Garden、Cosmos Zero 的合作，又是怎麼發展出來的？

昭元：我觀察到最大的差別，是倫敦的音樂人跟聽眾都用一種特別輕鬆、自然的方式在接觸、聆聽、創作音樂。儘管市場飽和到這種程度，高手層出不窮，厲害的樂團一個接一個冒出來，你卻很少會覺得這是一場激烈的「競爭」。每個人都很 open-minded 地敬佩其他音樂人，想要合作，想從別人身上學到兩招。

這件事跟 Robot Swing 四個人的音樂旅程其實不謀而合。我們都是為了自己的喜悅、為了對音樂的喜歡才去練樂器、不斷精進自己的演奏，也一直很期待能遇到厲害的同儕，一起往更高的境界走。

Happy Garden 和 Cosmos Zero 都是我在倫敦各個 jam session 上遇到的音樂人，技術精湛，舞台主宰力特別強烈。當初是緊張到不行地走到他們面前自我介紹，結果馬上一拍即合，很快就開始緊密合作。我想這就是倫敦的魅力。

惟農：可是我還沒交流啊？！

Q2：你們的 Live 有一個鮮明的特色：不依賴 Program，而是讓一首歌自然接到下一首，像 DJ 接歌一樣讓音樂一直流動。這種演出方式很考驗四個人的默契。這次面對可能第一次認識 Robot Swing 的英國觀眾，你們會怎麼讓他們跟上這台機器人的節奏？

有趣的是，四個人沒有一個打算「讓觀眾跟上」。

昭元：Robot Swing 演出的魅力就在彼此丟接球的過程。在安排精緻的表演段落之中，我們會故意留白一些高風險的橋段跟銜接，創造一些「意外」。都是那些意外會激發我們的危機處理能力，讓演出變得特別好看。倫敦的聽眾特別喜歡意外的發展、喜歡享受音樂的樂手、喜歡全情投入的表演，我想大家一定會喜歡這個演出。

恩立：我覺得這種接歌方式對他們來說應該不陌生，只希望他們會滿意我們的接法。

聿民：其實不一定是要觀眾跟上節奏，我們也會依據現場氣氛調整節奏，所以節奏算是兩方互相拉扯、互相調配出來的。

惟農：在台灣表演也會遇到觀眾還沒準備好、但我們還是上了的狀況。我覺得讓他們跟不上，就是讓他們跟上的方式吧。

Q3：第一張專輯《SYSTEM BOOTING…》像是 Robot Swing 的開機，到了第二張《Override!》則直接選擇強制覆寫。回頭看《SYSTEM BOOTING…》，那張專輯對 Robot Swing 而言是怎麼樣的一個起點？而經過這幾年的創作與演出後，你們又覺得《Override!》和當時相比，出現了哪些明顯的變化？

聿民：《SYSTEM BOOTING…》是 Robot Swing 開拓、實驗的第一個作品，像是要從學生階段步入社會一樣，帶著很多不確定性，也是四個人第一次比較深入地和彼此磨合的作品。《Override!》則是在我們四個都深入音樂圈之後，各自擁有更多想法、技巧也更好的狀況下，相互碰撞出來的作品，每個人的個人特質更鮮明，作品的融合度也更高。

昭元：《SYSTEM BOOTING…》本身比較像是以我的創作靈感為主發展而成的專輯。到了《Override!》，我們嘗試全團一起創作所有的音樂，從而做出超越我們任何一個人想像邊界的作品。

恩立：那張的創作模式是靠純 jam 出來的，這讓我們必須好好聽彼此想用樂器說什麼，算是一個試著理解彼此想法的起點吧。

而且因為昭元不在，近一年的演出（雖然不多）都是三人 trio 編制、用 jam 的方式進行，這讓每次演出的曲目就算一樣，歌曲的長相也都不一樣。所以《Override!》裡的歌對我來說已經不算是有個固定的形狀，比較像是一個概念，這種感覺蠻酷的。

惟農：平衡和特色更顯著了。

Q4：「Robot」與「Swing」本身就像是理性與感性的兩種力量。在《Override!》裡，你們一方面可以把音樂拆解得非常精準，另一方面又有〈Robot Revolution〉這種情緒強烈、甚至帶著失控感的作品。在創作 Robot Swing 的音樂時，你們通常怎麼在精準的編曲與演奏，以及自由的律動之間取得平衡？

四個人的答案幾乎是把「精準」這個前提推翻了。

惟農：我們都是先 jam 再說。

恩立：老實說這張專輯沒什麼特別精準的編曲，所有恰似精巧的安排都是自然而然、無意間發生的，不論是在練團室寫歌，或是在錄音室同步錄音的某個 take。真的要說靠什麼做編曲上的決定，應該是相信身體，還有相信彼此。

聿民：這張專輯的特色是所有歌的 motif 都是 jam 出來的，所以可以聽出比較多原始、情緒性的部分，因為 jam 也沒辦法事先編好。後續當然就是依靠一層層的器樂調整，想辦法讓原本的 motif 長出前後文、長出故事線。加上我們的作品通常都會留出部分的即興空間，錄音的時候就可以用當下的感覺去補滿既定的編曲，所以可以形成這樣的作品。

昭元：說真的，其實就是團員之間的個性與品味中達成的一種美麗的恐怖平衡。創作階段每一個橋段的顏色、情緒、演奏內容都反覆調整過，但同步錄音的時候還是有大量自由發揮的餘地。努力讓專輯聽起來像是充滿誠意而不過度修飾的演奏，是我們的目標。

Q5：你們曾獲得金音獎「最佳現場演出」肯定，也有不少觀眾認為 Robot Swing 是「為 Live 而生」的樂團。對你們自己而言，什麼樣才算是一場真正理想的 Robot Swing 演出？

昭元：當台上台下所有人都覺得，今天這場演出只會發生一次，我想那就是最好的演出。

聿民：四個人都融合在演奏的流裡。

恩立：對我而言，不論是不是 Robot Swing 的，理想的演出都必須帶著某種企圖心，並在音樂上和表現上展現出來，讓觀眾共感，這樣就會是一個很棒的現場演出。

惟農：應該沒有真正理想這回事吧，我們是見招拆招的。每個地方和環境都會有變數，而那些變數會讓那場演出獨特。我偏好獨特勝過理想。

Q6：Robot Swing 的現場保留了不少即興，也有很多需要四個人即時反應的段落。隨著編曲越來越複雜，有沒有遇過樂器、器材或現場狀況突然反撲，差點讓整台機器人當機？最後又是靠什麼默契把它救回來？

與其說怕當機，他們更像是在等當機。

昭元：不如說我們很期待現場出現狀況。因為大家都太熟練了，偶爾甚至還會互相弄一下、空出一些段落，看看彼此怎麼反應，這種時候都特別好玩。

恩立：好像就是因為即興的部分蠻多的，所以不管出了什麼狀況都能互相 cover。

聿民：像是 vocoder 可能突然沒聲音，就需要其他人延長段落，或是直接先來一段 solo，再重新 cue 進原本的段落。

惟農：之前很常斷弦，一開始很煩，但會靠氣勢演過去。斷久了之後就習慣了。

Q7：從〈AI 敢會愛？〉到〈為什麼我無法成為我想成為的人〉，Robot Swing 曾和不同音樂人合作。到了《Override!》，有沒有哪一次合作讓你們覺得特別有趣，甚至在排練或錄音時出現超乎預期的結果？

昭元：《Override!》的目標是重新定義 Robot Swing 身為樂器演奏團的聲音。也因此這次的〈I Think We're OK〉更像是兩個 artist 強強對撞，而不是樂團去配合 vocal，那個融合了兩方的份量感，我非常喜歡。

恩立：〈I Think We're OK〉樂器的部分，是一次練團前亂 jam 中誕生的驚喜。原本專輯的歌曲都已經確定了，但我們一致認為這首歌要收錄進來。

聿民：《Override!》的第一首〈Lullaby〉裡的口白，是錄音師 Andy Baker 錄的。當初只是想像他來念口白應該會很有感覺，沒想到成品真的很契合。

惟農：跟程杰合作吧？程杰可愛又充滿實驗精神。後來他介紹的母帶工程師也超厲害，雖然沒碰到。

Q8：這次來倫敦除了演出和排練，有沒有什麼是四位團員各自列在「必須完成」清單上的行程？唱片行、樂器行、音樂現場，甚至某一家 Pub 都可以。

昭元：這題我讓其他團員回答，我當導遊。（笑）

恩立：Blue Note London 剛好在我們去的那段時間開幕，得去看一下。

聿民：我自己是一定要看演出，特別是剛好遇到 Blue Note London 開幕，所以一定要看。

惟農：鰻魚凍、Pie & Mash。

Q9：如果《Override!》代表的是突破原本的設定，那走到現在的 Robot Swing，下一個最想突破、覆寫或挑戰的又會是什麼？是音樂、現場、合作對象，還是某個你們現在還不知道自己能不能做到的事情？

昭元：最終要突破的好像都是各自想像力的極限。我們還可以做什麼？還可以去哪些地方？還想做什麼樣的音樂？需要大家各自突破自己的想像，然後再一起決定要前往哪個有趣的地方。

聿民：我覺得可能是具有全球範圍的「標誌性」「代表性」，聽了會覺得這就是 Robot Swing 的 sound。

恩立：繼續精進編曲、默契，還有美感的建立，這是練不完的。

惟農：學其他樂器吧，我最近在練貝斯。

Q10：最後，想請四位團員各自推薦最近喜歡，或是一直放在自己音樂清單裡的歌曲。為什麼喜歡？

昭元：corto.alto 的〈IJUSTIDONTKNOW〉。昨天剛看完演出，覺得帥瘋了，又精密又狂野，是最棒的英國電子樂 influence 與爵士樂的融合。

恩立：Dolphin Hyperspace 的〈Dolphin Samba〉超 turn。最近也很常聽 Nate Smith、Kiefer、CARRTOONS 他們組的 FATHERS，那張同名專輯。

聿民：推一首 Mark Guiliana 的新作品〈D.RUM〉，是一首兼具機械性和原始性的美的歌曲，是我很喜歡的風格。

惟農：9Lana 的〈螺旋〉acoustic 版。因為最近在看《死神千年血戰篇》的動畫，織姬犧牲自己跟友哈巴赫一換一的那段，配上特別改編的片尾曲，實在印象太深刻了。

從聚散無常出發，記錄生命裡的無端。歷時三年，鄒序帶著第二張創作專輯《無端 Ends》回到我們面前。從首張《把水開著》到這次的新作，生活與創作的累積，讓他對情緒有了更細緻的理解，也開始用不同的方式，梳理那些難以言說的感受。

《無端 Ends》延續鄒序對聲音的探索，在 Indie Pop、黑樂、流行與實驗 Fusion 之間，尋找新的可能。那些關於相遇與別離、時間與自我、焦慮與自由的思考，也在這張作品裡慢慢展開。

對鄒序而言，創作不只是尋找一個好聽的答案，更是不斷嘗試、推翻，再找到新的聲音。而當生活裡有些事情無端發生，我們又該如何與它們相處？

讓我們從《無端 Ends》出發，聽鄒序談談創作上的轉變、音樂合作，以及那些讓自己重新歸零的時刻。

Q1：從首張專輯《把水開著》到歷時三年打磨的第二張創作專輯《無端 Ends》，覺得這段期間自己最大的轉變是什麼？

鄒序：覺得自己在體驗情緒還有理解事情的方式或許又更成熟了。我在這個階段體驗到情緒的解析度會比上一張專輯時更高，像是把情緒整個光譜分割得更細，所以相較上一張比較「帥」的樣態，這張更著重在敘事。

Q2：專輯名稱《無端》源自工作室植物奇蹟復活的幽默日常，這段經驗對你面對音樂或生活低潮時帶來什麼樣的啟發？

鄒序：植物的故事有一點被誤植了哈哈哈，其實這故事是來自專輯做完之後某一次觀察到的感悟，但是這個故事也是一個近期在小事之中找到可愛而且無端之處有很大的啟發，對我偶爾無端的焦慮或無端的傷感得以有個靈巧的出口。

Q3：首位同名主打〈無端〉巧妙取材自白居易《長恨歌》與李煜《浪淘沙》等詩詞，將古典聚散無常揉合現代節奏，當初是怎麼萌生這個想法？你最喜歡哪一段歌詞？

鄒序：自己寫作的習慣本就有點愛引用古人寫得很巧妙的字句，可以把很美而且有歷史淵源的畫面搬運進我的歌裡是我很喜歡做的事情。

其實很喜歡「有時會恨花飛盡」這句是我偷蘇軾《水龍吟》裡面的句子然後改了幾個字（詳情請洽水龍吟），覺得這句簡短地把對於時間流轉、跟對於美妙事物消逝的感受寫完整了。

Q4：〈想想而已〉是跟守夜人團長秦旭章共同寫出的作品，這首偏向細膩溫柔的風格，在創作和編排時，他有帶給你什麼完全不一樣的思維轉換嗎？

鄒序：覺得跟旭章的共創，在這首歌有讓我找到新的寫歌跟唱歌邏輯，而且也是個讓我偶爾創作上不要鑽牛角尖，或著別唱太複雜旋律的一次很好的學習。

Q5：你這幾年也參與了許多優秀音樂人的作品，這些經歷有帶給自己創作或製作新專輯時，什麼樣的養分嗎？

鄒序：參與到別人的作品有讓我更可以學習換位思考，更需要深刻了解對方想要的東西是什麼，而非只是我最主觀的審美。在我專輯裡的話就是可以跟來自不同背景的音樂人更加全面的交流跟溝通，把更酷的聲音加到作品裡。

Q6：歌曲〈難解〉是你向偶像方大同的致敬，想透過這首歌捕捉或釋放心中怎樣最難解的情緒？Flowstrong 的饒舌助唱為這首歌加入什麼樣的力量與溫度？

鄒序：這首歌最想講的是在有限的時間裡無愧自己的活著，縱然在時間長河裡會遇到很多不一定有解答的問題，但是有時候有沒有答案也不重要。我的好朋友Flowstrong 一直都是我心目中 top 3 rapper，他的觀點總是成熟、獨特又有力量，而且有時候會有想像不到的 punchline 跟韻腳，所以對歌曲來說無疑是把這種，對歌曲來說就是更強化了 be free be me 的態度。

Q7：這次新專輯在 Indie Pop 與黑樂的基礎上，加入了流行與實驗 Fusion 等多元曲風。在編曲上最挑戰、最好玩的地方在哪裡？

鄒序：編曲是把詞曲還有整首框架搭上最適合最好看的衣服，所以對我還有我的夥伴來說最好玩跟挑戰的部分，就是要盡可能每次都做出創新的選擇，如果用一套確定會好聽的做法一直複製，對我們來說就是最無聊的事，所以就像是研發新菜一樣，不斷嘗試、失敗、找到新配方，就是做音樂最有樂趣的地方，也才能保持不可被取代性。

Q8：面對創作與音樂圈的無形壓力，除了做家務與玩手遊，聽說你很喜歡去衝浪？海上漂流的時刻如何幫助你的腦袋紓壓？

鄒序：在海上要時刻注意跟大自然的互動，有舒適也有比較挑戰的海相跟浪況，所以在衝浪時會 focus 在生存還有判斷是否好的浪形成、再動用全身協調跟力量去追。所以全身上下感官都會打開而且極度專注，這時候所有作繭自縛與不必要的想法都會隱去，對我來說就是最棒的歸零。

Q9：最後想請鄒序推薦幾首你近期無限循環、或影響你最深的私房愛歌給讀者嗎？

鄒序：自救&沈思神曲

Mac Miller - Self Care
Radiohead - Everything in its Right Place
John Mayer - Covered in Rain
梅艷芳 - 親密愛人
Daniel Caesar - Who Knows
藤井風 - 満ちてゆく
蛋堡 - 給我一點時間
Dominic Fike - King of Everything

全方位音樂創作人蘇珮卿全面回歸！全新單曲〈Every Second’s A Treasure〉以豎琴為基底再現音樂電影奇幻聲響

全方位音樂創作人蘇珮卿正式回歸！宣告將於 9 月 25 日推出第三張全創作專輯《The Best of the Worst of Times》，並於即日起全面啟動黑膠預購，邀請樂迷再次見證探索生命的無限可能。隨著新專輯發行在即，蘇珮卿搶先釋出首波單曲〈Every Second’s A Treasure〉，除了將擅長的豎琴音色全面融合於奇幻旋律之中，新歌更是一首醞釀長達十年的珍貴逸曲，歷經時間淬鍊後，選在最好的時間點曝光，也是蘇珮卿送給樂迷一路支持的珍貴禮物，她表示：「這首歌其實在10年前就大概有了雛型，但一直被我放在電腦某個角落，直到去年才終於解鎖，並完成我自己很滿意的模樣，某程度來說也跟歌名有所呼應。」

去年全家移居紐約生活！第三張專輯《The Best of the Worst of Times》全程美國錄音蘇珮卿探索「音樂映像賽倫」攜手葛萊美團隊探索成長歲月另類音樂養分

憑著上一張專輯《You’ll Live Forever in My Songs》奪下金音獎年度專輯殊榮，也成功入圍金曲獎肯定，相隔三年半時間，蘇珮卿帶著全新音樂作品《The Best of the Worst of Times》回歸樂壇，以「音樂映像賽倫」做為主軸，透過底片記憶，追尋藏於心中生根的記憶旋律。整張專輯不僅再次以另類流行樂風追尋生命的好壞片刻，更是去年正式移居美國紐約生活後所完成的一張極限之作。

特別攜手美國音樂人 Benjamin Lazar Davis 共同製作，加入多位國際級樂手加持，包含曾替Phoebe Bridgers、sombr 合作的吉他手 Mason Stoops，以及榮獲葛萊美提名的美國樂團 Arc Iris 的鍵盤手 Zach Tenorio-Miller 等，齊力探索 90 年代音樂養分，藉由蘇珮卿獨有品味的器樂長才，最終交出一張歷經重生之後，迎接全新人生風景的生命大碟。蘇珮卿表示：「這張作品，是把我自己關在美國洛杉磯錄音室兩個禮拜下所完成，雖然幾乎是與世隔絕，但每天醒來就是與音樂為伍，也算是實現我一直想要擁有的夢想。」

首發單曲〈Every Second’s A Treasure〉近期已在數位平台全面發行，事實上歌曲早在十年前就開始醞釀，直到去年蘇珮卿才錄製完成，她提到：「在美國和 Benjamin 製作時，我們腦中一直有個很有趣的畫面：像在玩電動，騎著水上摩托車，在閃閃發亮的水面上一路往前衝。很開心、很自由，還有一點不真實的感覺。」新作除了再次以擅長豎琴作為主要編曲樂器，也為歌曲注入溫暖又帶點奇幻的聽覺色彩，蘇珮卿也笑說：「電豎琴加上意想不到的類比合成器以及電吉他聲響的堆疊，最後加上很瘋狂的鼓點，好像真的有打電動非常歡樂的感覺。」

新單曲封面富有巧思兒時影像疊上現今自我蘇珮卿感恩「走過的每分每秒都是生命寶藏」

新單曲除了在製作上融入許多巧思，單曲封面上也對蘇珮卿有格外意義，特別把自己小時候的照片，疊上現在由兒子所拍下的樣貌，象徵不同階段的自己再次相遇，她解釋：「一張由養育我的家人拍下，另一張則是我養育的孩子長大後為我拍下。兩個時間、兩個不同階段的我重疊在一起，正好呼應了〈Every Second’s A Treasure〉想說的『走過的每一分、每一秒，最後都可能成為生命裡的寶藏。』」

挑戰前進台北知名「機車瀑布橋」拍攝單曲宣傳影片蘇珮卿優雅過馬路跟等紅燈騎士打招呼

另外蘇珮卿還邀請來自紐約的影像導演 HAO YEN of America 拍攝歌曲前導影片，特地前往台北知名「機車瀑布橋」景點台北橋取景，挑戰與紅燈時間賽跑的快閃捕捉，蘇珮卿必須在抓準紅綠燈切換時，走到斑馬線中央，以一種輕鬆優雅姿態拿起相機拍下正在等紅燈的「機車瀑布騎士」們，她笑說：「要走到一大群騎士們前面拍照其實有點小小尷尬，但最後完成的成品效果我非常喜歡！」

機車瀑布冒險影片：https://www.instagram.com/p/Dc0_HpxBmsJ/

第三張專輯《The Best of the Worst of Times》實體黑膠啟動預購首批加贈神秘單曲七吋小黑膠收藏

隨著新單曲正式發行，蘇珮卿也預告第三張專輯《The Best of the Worst of Times》將啟動實體黑膠預購，獻給樂迷今年最棒的珍藏禮物，她特別提到，黑膠發行一直是希望可以完成的夢想，因此在著手新專輯錄製時，此計畫就被放在心中，終於來到實現這天。為了這次難能可貴的實體黑膠發行計畫，蘇珮卿還砸重本準備另一首神秘隱藏曲目，並以另外一張「七吋小黑膠」的形式，作為本次的首批預購限定收藏禮，她表示：「這首歌目前還不能揭曉，但我很期待大家收到時的驚喜。它是專門留給收藏實體黑膠的人，一份很特別的小祕密，也讓整套作品更完整、更值得收藏。」

黑膠預購網址：https://linktr.ee/peiching.su

照片/ 賽蓮音樂；新聞稿/ 鈞光閃閃

台灣新生代創作人 Andr，2024 年以首張專輯《shhh, it's under my bed》寫下藏在床底、那些不願被輕易看見的私密情緒。時隔兩年，她帶著全新迷你專輯《SKIN》回來，這一次目光從床底走向皮膚，也更加靠近自己。

皮膚每天都在悄悄脫落，人也在不知不覺之間改變。對 Andr 而言，成長並不總是清晰可見的，有些變化甚至發生得無聲無息；而那些始終沒有改變的部分，也可能依然固執地留在身上。

這一次，她不再急著替音樂設定方向，而是跟著當下最有趣、最有感覺的選擇走。《SKIN》留下了更多未經修飾的聲音、瑕疵與意外，也讓作品變得更加有機、更加貼近此刻。

「瑕疵和意外本來就有很迷人的地方。」

脫皮或許不是一次完成的成長，而是我們與世界接觸時，不斷發生的細微變化。

這次 Andr 和好青年聊了聊《SKIN》裡的聲音與身體、脆弱與不安，也分享她如何在一次次創作與演出之間，慢慢找到現在的自己。

就在 9/5，Andr 的亞洲巡迴即將登陸香港 PORTAL，隨後也將回到主場台北，帶來限定規格演出。今晚一起讀讀這場關於蛻變的魔幻實驗，聽見那些正在長出來的新聲音，也觸摸那層全新長出來的《SKIN》吧！

Andr [Shedding Skin 脱皮] 2026 Asia Tour in Taipei [Special Edition]

演出日期：2026/9/19 (六)

演出時間：19:30

演出地點：Legacy Taipei

Q1：首張專輯《shhh, it's under my bed》像是在探討藏在床底的私密怪獸，這次新作品則直接命名為《SKIN》。從「外在的藏匿」到「本體皮膚的裸露」，這兩者在妳的心境上，象徵了什麼樣的成長或心理轉變？

Andr：前陣子看到人每天都會掉零點幾克的皮屑，跟我自己對轉變的感覺很像，好像永遠在不知不覺中就發生說不清楚的變化。一邊覺得人活著就是每一個瞬間都有 input 在改變我，但有時候又覺得自己某些方面固執且沒有長進，我看待我的作品也有這樣的感覺。

Q2：生物脫皮是為了適應生長，但過程往往是脆弱且敏感的。在創作《SKIN》的過程中，妳覺得自己脫去了什麼？哪一個部分的自己是在這個過程中「最感到陣痛」卻也最渴望迎來新生的？

Andr：第一張專輯的慎重感和某種儀式感我覺得有影響到我想要做什麼樣的音樂，但做這張迷你專輯的時候好像完全就沒有這些有的沒的的想法，很自然的就傾向去做當下覺得最有趣最有感覺的選擇（雖然做第一張專輯也是這樣但又有點不一樣）陣痛每天都發生，像是〈night night〉的人聲錄了 N 個小時一直想找到更好的呈現方式可以映照 Whys Young 的聲音，但最後的結果都讓我很開心。

Q3：妳曾提到《SKIN》的曲風更為「有機且稜角分明」，創作時不預設方向。在編曲或採樣上，這張專輯運用了哪些過去沒嘗試過的元素或樂器？妳是如何在錄音室裡刻意保留那種「未經修飾的粗糙美感」？

Andr：這次用了我去年年底買的 kaossilator 2S 裡面的其中一個 drum loop，塑膠小小一台很像玩具，但是當初一聽到那個 loop 就覺得有機會拿來寫歌，聲音非常 lo-fi 沒什麼低頻我很喜歡，每次按下去都會有點隨機有點不一樣的 pattern，後來變成〈Cry In Your TV〉的起點。

我覺得瑕疵和意外本來就有很迷人的地方，最乾淨、執行最徹底的 take 不一定是最好的 take，可能難的點是每次的取捨吧。

Q4：延續上一張專輯與韓立康老師的合作，這次在《SKIN》中，兩人的默契有了什麼樣的新變化？有沒有什麼不一樣的驚喜與撞擊？

Andr：已經有點忘記第一張專輯的時候是怎麼樣的狀態了，但我們一直都很常聊天，聊最近在聽什麼、下一張作品有什麼想嘗試的事情，默契好的影響是我可以用幾乎像是只有我一個人的放鬆狀態，但又同時有夥伴可以一起討論和爭執，我覺得很珍貴。

Q5：開場曲〈Cry in your TV〉充滿英倫搖滾精神，這是妳首次嘗試這種曲風嗎，對妳來說是一種宣洩還是挑戰？

Andr：那陣子很喜歡聽 The Cranberries、Goo Goo Dolls 的〈Iris〉這種 90 的音樂，我喜歡他們的旋律有種直接感，雖然是受到這樣的音樂啟發但我覺得最後做出來還是很不一樣，並不是真的太復古，我蠻喜歡最後歌的狀態。錄人聲的時候嘗試了很多錄音的方式，站著錄、半蹲著錄、離很遠大吼的錄、隨便亂唱的錄，很舒壓。

Q6：主打單曲〈安 Nest〉中直視了女性的恐懼。在音樂表現上，妳是如何利用實驗聲響的鋪陳，把那種抽象的不安感，具象化地傳達給聽眾？

Andr：很喜歡這個問題...歌曲後半我想讓聆聽時的體驗可以更不安、更緊張一點，但希望是用聽眾不一定會發現的方式辦到。後來我們決定對著吉他的拾音器嘶吼放在編曲裡，隱隱約約其實聽不太清楚，但我覺得成功用很難以察覺的方式讓張力變得更大，很符合這首歌的感覺。編曲上我們也做了很多像是槍響的鼓聲、此起彼落的哼唱等等聲響，堆疊成現在的樣子。

Q7：專輯中的〈FACES〉在歌詞裡寫到了“Tired of all these faces, I sleep better in my bed”。這兩句話讀起來，像是從的外在的疲勞中，又再度回望了上一張專輯的私密空間。這首歌在整張《SKIN》的「脫皮」概念裡，扮演著什麼樣的過渡角色？

Andr：這首歌是迷你專輯裡第一首完成也第一首發的歌，那陣子很常有機會在世界各地演出，一邊覺得很新鮮有趣，認識很多新的人、在很多陌生的臉孔前面演出，一邊又很想念熟悉的味道（例如魚酥羹麵還有小火鍋）還有家人朋友。這首歌也許可以看成現在的狀態和發第一張專輯的狀態中間的過渡吧。

Q8：這次與韓國音樂人 Whys Young 合作了〈night night〉，像是〈安 Nest〉的雙生歌曲，也為專輯溫暖收尾。跨越語言與地域的限制，妳們在音樂語彙上是如何對話的？有影響妳創作音樂的方式嗎？

Andr：剛開始傳了這首歌的 demo 還有一個落落長的 word 文件想和 Whys Young 說這首歌背後的故事、為什麼想找她 feature 之類的，我覺得在音樂完成前讓其他人聽總是覺得很赤裸，當時很緊張不知道她會不會答應。但她很快的就回覆我最近剛好也和身邊的女性音樂人朋友聊到相關的事情，覺得很有共鳴。聽到她的 verse 之後我記得我呆坐著蠻久，就算還沒了解歌詞都可以感受到那種很脆弱、輕薄但又有某種很 raw 的力量的感覺，啟發了我們去花很長的時間嘗試我應該怎麼錄我的人聲。我們其實沒有太多文字的討論或是來回，更多的是因為彼此的音樂所以讓我們想也用音樂試著回應！

Q9：妳正在進行《Shedding Skin》亞洲巡演，其中台北場還特別強調是「Special Edition 限定規格」。妳最想對來看演出的歌迷們說些什麼？

Andr：很感動第一次的亞洲巡迴可以回到主場台北辦，時隔上次在台北辦專場大概一年多，是一段不長也不短的時間，有點緊張底下會有哪些熟面孔新面孔來玩。因為是在 Legacy，其實我們在這裡演出過蠻多次了，我覺得是時候嘗試一些新花樣、新的演出形式，所以我覺得不管有沒有看過我的演出應該都會感覺到有種脫皮的新鮮感。會很好玩，希望大家有空都可以來看，應該還剩下一些些票，到時候見！

Q10：妳會希望《SKIN》這張專輯，能在聽眾們的什麼時刻或是空間裡陪伴著他們，讓他們能好好享受？

Andr：任何時間都好，自己一個人或是跟朋友一起也都很讚。但我自己最喜歡在移動、通勤的時候聽音樂，或是深夜一個人待在房間的時候，音樂常常會帶給我魔幻的體驗，如果有人也在聽這張專輯的時候有類似的感覺就太好了。

Q11：最近有在聽什麼，能跟我們分享幾首 Andr 喜歡的私房歌曲？

Andr：最近常常在搭飛機，我很喜歡下載專輯然後在飛機上從頭聽到尾，有種回到小時候用CD專心聽整張專輯的感覺。最近很喜歡 Bloc Party 的《Silent Alarm》這張專輯，主唱半饒半唱的感覺配上很緊湊、刺激的鼓，然後不想暴雷但我很喜歡最後一首歌的設計，很爽，推薦。最近剛去完 Summer Sonic 演出，這次竟然可以看到 DEAN 難得表演，很開心很興奮...

最後想分享一個我的朋友 LAWA 發的新歌〈火花〉，音樂和 MV 都很美，是會讓人覺得某種傷口被輕撫的音樂！

睽違 12 年，那個曾以《感官駕馭》走過我們無數人青春的樂團回來了。只是這一次，他們把「Echo」完整拓展成了「Echo of Your Soul」。

這次回歸，他們不只帶來新歌，更特別打造了雙 CD 豪華編制。一邊是全新創作的《靈魂的回聲》，一邊是重新錄製六首樂團早期經典的《記憶的回聲》。對回聲樂團來說，這雙專輯就像是一個「連通現在與過去的蟲洞」，你可以從任何一邊進去，最後都會遇見同一個、在時間裡歷練成熟的他們。

這不只是一場懷舊，而是一場明知萬物終將消逝、卻依然浪漫的「末日告白」。

「如果你以前曾經聽過回聲，我們很想邀請你回來看看，這些年我們各自走了多遠，又怎麼重新走到一起；如果你是最近才第一次聽到回聲，那更歡迎你來。你不需要知道我們以前發生過什麼，因為這就是現在的我們。」

他們將於 8 月 29 日在 Legacy Taipei 舉行「靈魂的回聲 + 記憶的回聲」專輯首演演唱會。串流上的音樂可以聽一萬次，但現場的那一次，就是那一次，不會再發生。讓我們一起走進這個時空蟲洞，聽見自己靈魂最真實的回聲。

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Q1：這次回歸不僅推出新專輯，還把團名從原本的「Echo」改為「Echo of Your Soul」。這個轉變背後，對現階段的你們來說象徵著什麼樣的全新完整性？

回聲樂團：其實「Echo」這個名字一開始滿隨性的。19 歲的時候，柏蒼跟清大迴聲社的朋友在新竹酒吧演出，臨時需要一個團名，就這樣叫了 Echo。後來樂團發展得很快，這個名字也就一路跟著我們二十幾年。

但「Music is the Echo of Your Soul」一直是我們很重要的一句話。音樂是靈魂的回聲，你經歷過什麼、愛過什麼、失去過什麼，最後都會以某種形式留在音樂裡。所以這次改成 Echo of Your Soul，反而不是變成一個新的樂團，而是終於把原來沒有說完的名字說完整了。

二十幾歲的我們可能比較在意「我要做出什麼樣的音樂」，現在重新回來，反而會去想「我們為什麼還要做音樂」。經歷休團、家庭、工作、人生很多變化之後，最後五個人還願意回到同一個練團室，我覺得這件事情本身，就已經回答了這個問題。

Q2：歷經長達 8 年的休團與各自成家立業、創業，大家重新聚在一起練團、找回手感時，有沒有遇到什麼有趣的摩擦或感動？

回聲樂團：很有趣的是，我們的人生改變很多，但一拿起樂器有些東西幾乎沒有變。這幾年每個人其實都去了非常不同的地方。有人創業、有人做健身產業、有人研發吉他、有人把時間留給家庭跟孩子，搬到台南生活。大家已經不是以前那群可以一個禮拜練很多次團的狀態，所以光是要把五個人的時間湊在一起，有時候就比編曲還困難。可是開始演奏之後，那種默契又很奇妙地回來。

印象很深的是浪人祭之後，我們發現台下真的還有人記得這些歌，甚至有人因為看到我們重新站在台上而哭。那時候才意識到，原來這個樂團不只是我們五個人的記憶，它也存在在很多人的人生裡。

所以後來我才會想把大家重新找回來。既然我們都還喜歡一起演奏，也還有話想說，那是不是可以不要只停在一次限定復出，而是真的再做一張新的作品？

Q3：專輯以「末日浪漫主義」為核心，你們心中浮現的是什麼樣的畫面？

回聲樂團：我們想像的末日，其實不一定是隕石掉下來、世界爆炸那種電影式的末日。它也可能是我們現在每天正在經歷的世界，AI、戰爭、氣候變遷、社群媒體、數位焦慮，所有事情都變得非常快。我們擁有的科技越來越強大，但人好像沒有因此比較不孤單。

所以「末日浪漫主義」真正想問的其實是：如果所有東西最後都會消失，那什麼東西還值得留下？專輯裡有一句很簡單的話：「這種時候，覺得身邊有你就已足夠。」我們覺得那差不多就是整張專輯的核心。

不是因為世界很美好，所以我們浪漫；反而是因為知道萬物都會消失、人生很短暫，所以此刻還能夠相遇、喜歡一個人、跟一些人一起做音樂，才變得特別珍貴。

Q4：專輯中非常抓耳的〈Because I Love You So〉，聽起來非常復古且迷人。這首看似浪漫的情歌，在合成器流行與吉他包裹下，想傳達的是一種什麼樣的末日告白？

回聲樂團：這首歌表面上可能是整張專輯最像情歌的一首，但它其實在講「存在」。歌詞裡我們寫：「也許相遇過後只剩無常的詠嘆，但若你記得我，我就會存在。」

宇宙這麼大，人的生命其實非常短，我們彼此相遇的時間可能只是一瞬間。但如果那個瞬間曾經被另外一個人記得，它是不是就以某種形式繼續存在？所以它的末日感不是悲壯的，比較像是在世界消失之前，我不需要再說什麼很複雜的話，只想讓你知道因為我如此愛你。

音樂上我們反而故意讓它非常浪漫，用 Synthpop 的合成器、很大的吉他音牆，加上尹均那種很日系、英雄式的吉他 solo。它有一種八、九零年代科幻愛情電影的感覺。好像兩個人在非常巨大的宇宙裡短暫碰到彼此，然後又各自離開。

Q5：專輯中也收錄了像〈訂閱冥想〉這樣探討現代人社群焦慮與荒謬感的歌曲。在數位生成與快節奏的時代，你們覺得「實體與真實經驗」為什麼無可替代？

回聲樂團：〈訂閱冥想〉裡有一句我們自己很喜歡：「購買焦慮之後，訂閱了冥想。」我們現在很多問題跟解決問題的方法，其實都是同一套系統提供給你的。它先讓你焦慮，再賣一個解除焦慮的方法給你；讓你覺得自己不夠好，再告訴你要怎麼成為更好的自己。

但我們不是站在外面批判這件事，因為我們自己也活在裡面。所以歌詞才會寫「蠢得無法自拔，我們都一樣」。也因為這樣，我們反而越來越珍惜那些不能被數位取代的東西。

像五個人真的待在一個空間裡演奏，鼓的空氣震動、吉他 amp 推出來的聲音，甚至某個人彈快了一點、慢了一點，大家跟著改變，那些不完美其實才是「人」存在的證明。你可以在串流上聽一萬次一首歌，但站在演唱會裡，跟幾百個人一起唱同一句歌詞，那一次就是那一次，不會再發生。

對我們來說，那種不可複製性，反而變得比以前更珍貴。

Q6：〈誰的心忘了〉是從舊硬碟挖出來的早期 Demo，時隔多年重新整理它，當時和現在的心境有什麼微妙轉變？

回聲樂團：很有趣的是，一首歌被放在硬碟裡這麼多年，再打開的時候，已經有點不像是在聽自己的作品，而像是在看以前的自己。

〈誰的心忘了〉本來就在寫記憶這件事。鑰匙、雨傘、心跳、時間，很多生活裡很小的東西都會忘記，可是有些情感的身體記憶反而一直留著。

年輕的時候寫「忘記」，可能比較接近一段關係或某個當下的情緒；現在重新唱它，會覺得「忘記」本身其實也是人生的一部分。

我們記得的、忘掉的，最後都慢慢變成現在的自己。

所以這次沒有想把它硬做成年輕時候的樣子，而是接受它已經經過這些時間，讓現在的回聲樂團重新把它說一次。Lo-fi 的吉他、空間感和那些帶毛邊的聲音，也很像記憶本身，不完全清楚，但反而因此更真實。

Q7：這次首批實體專輯特別採用了雙 CD 的豪華編制，一邊是全新創作的《靈魂的回聲》，另一邊則是重新錄製六首樂團早期經典的《記憶的回聲》。樂團曾形容這像是一個「連通現在與過去的蟲洞」。可以和我們聊聊當初怎麼會決定用這種「雙專輯」的形式來作為睽違 12 年的回歸見面禮？在曲目挑選上有什麼特別的考量？

回聲樂團：因為我們不希望這次回來只是做一張懷舊精選。所以《靈魂的回聲》裡的十首歌全部都是重新聚首之後的新創作。對我們來說，如果要重新成為一個樂團，就一定要有「現在」的作品，而不是只靠以前的歌活著。

但另一方面，我們也想回顧過去。所以才有了第二張《記憶的回聲 Echo of the Echo》，重新錄製〈天馬神風〉、〈感官駕馭〉、〈繞〉、〈解放〉、〈OK?〉、〈瞬間〉這六首歌。挑這六首，一方面是因為它們的實體版本已經絕版很多年；另一方面，它們經過團員更迭、休團、甚至二十幾年的時間，在今天的現場還是非常有生命力。

所以我們一直覺得這兩張 CD 很像一個蟲洞。一邊是現在的我們，一邊是二十幾年前的我們。你可以從任何一邊進去，最後都會遇見同一個樂團。

對一路陪著我們走過來的人，它像是一份見面禮；對第一次認識回聲的人，也可以一次聽見我們從哪裡來，以及現在走到了哪裡。

Q8：這次專輯除了主唱柏蒼領銜製作，更邀請到了配樂大師侯志堅與知名製作人韓立康。兩位音樂人的加入，在專輯的「電影感配樂美學」和「英式搖滾撞擊」上，有為你們帶來了什麼樣火花或妥協？

回聲樂團：這次我們其實很想保留「回聲就是一個樂團」這件事，所以整張專輯的核心還是五個人的演奏，以及我們原本很熟悉的英倫、華麗搖滾和日系搖滾血統。但這次的世界觀比以前大很多，有宇宙、科技、末日、數位世界，所以我們也希望聲音可以超越一般 Band Sound。

侯志堅老師參與的〈Take a Shine〉就是很明顯的例子。那首歌本來就是柏蒼在坂本龍一過世之後寫下的作品，侯老師用鋼琴跟電子聲響，把它帶進一個非常有 90 年代坂本龍一電影配樂氣質的空間。那已經不太像一般樂團在「編一首歌」，而比較像是在替一個不存在的電影配樂。

韓立康帶來的則是另外一種撞擊，他對樂團聲響、吉他和製作有非常鮮明的想法，會讓我們原本熟悉的英式搖滾語言被重新檢視。

Q9：8 月 29 日即將在 Legacy Taipei 舉辦「靈魂的回聲」專輯首演演唱會，這也是繼回歸後難得的大型專場，這次會帶給樂迷什麼樣的視聽編制與驚喜？

回聲樂團：這張專輯有大量的合成器、電子聲響、吉他音牆，以及非常極端的動態，有〈撲向那隻狼〉這種大家可以一起唱的 Arena Rock，也有〈Take a Shine〉這種很安靜、很電影感的作品。當然，既然是睽違這麼久的大型專場，也不可能只有新歌。我們會讓現在的《靈魂的回聲》和過去的《記憶的回聲》在 Legacy 同一個晚上真正接在一起。

Q10：對一路支持到現在的老歌迷，以及新聽見回聲樂團的年輕世代，有沒有什麼話想對大家說，並邀請大家來聽專場？

回聲樂團：我們最近演出的時候，有一個畫面其實讓我們很感動。台下不只有以前一路聽回聲的樂迷，也有他們的孩子，甚至我們自己的孩子。

音樂很神奇，它可以讓二十年前的一首歌，在今天重新發生；也可以讓一個今天第一次聽見回聲的人，跟二十年前的我們產生連結。所以如果你以前曾經聽過回聲，我們很想邀請你回來看看，這些年我們各自走了多遠，又怎麼重新走到一起。如果你是最近才第一次聽到回聲，那更歡迎你來。你不需要知道我們以前發生過什麼，因為《靈魂的回聲》就是現在的我們。

8 月 29 日，我們想把過去、現在，甚至下一個階段的回聲，都放在同一個晚上。